Wenn man Sie als kleines Kind gefragt hat: „Was möchtest du später einmal werden?“ Was haben Sie darauf geantwortet?
Ich kann mich ehrlich gesagt nicht mehr daran erinnern, es ist zu lange her. Ich glaube, wie die meisten Kinder träumte ich davon, Feuerwehrmann, Polizist oder Eisenbahner zu werden, Berufe mit auffälligen Uniformen und starken Fahrzeugen, die viel Lärm machten – und deshalb nicht unerkannt bleiben konnten!
Wie sind Sie dann zur Kunst gekommen?
Ich habe schon immer gerne „gebastelt“, Dinge gebaut, mir vorgestellt, dass unbelebte Gegenstände wie Steine oder Baumstämme „lebendig“ werden, Eisendrähte gebogen und als ich älter wurde, habe ich auch gerne modelliert, geschweißt.
Ab Dezember 2021 beschäftigt sich die Ausstellung „werden“ im Ferdinandeum mit dem Künstler werden – angefangen bei Michelangelo bis in die Gegenwart. Es geht um Einflussgrößen, Wahrnehmungen und Entwicklungen. Worin unterscheiden sich die Künstler*innen von früher und heute?
Der Beruf oder die Berufung des „Künstlers“, wenn man ihn denn so nennen kann, hat sich im Laufe der Geschichte stark verändert; in grauer Vorzeit gab es eindeutig keine Unterscheidung zwischen Kunst und Handwerk, und die Produktion umfasste nur Werkzeuge oder Gebrauchsgegenstände. Der Hersteller versuchte, sie zu personalisieren und zu verzieren, um ihnen dann „magische Eigenschaften“ zuzuschreiben.
Dieses Verhältnis hat sich im Laufe der Zeit erheblich gewandelt, und der „künstlerische Inhalt“ ist schon vor Jahrhunderten zu einem Phänomen mit eigener Würde geworden.
Parallel zur Entwicklung der „Leistungsfähigkeit“ des Handwerkers wuchs das Bewusstsein für die Möglichkeit, die Werke mit allegorischen, metaphorischen und schließlich „konzeptionellen“ Inhalten aufzuladen und das Werk selbst nicht nur als „greifbares“ Artefakt, sondern auch als Darstellung mit „rhetorischen“ Fähigkeiten zu betrachten – eine Entwicklung, die in der Renaissance sehr präsent war, und zwar nicht nur bei den in der Ausstellung gezeigten Werken Michelangelos.
Kurz gesagt, seit Beginn des 20. Jahrhunderts sind die künstlerischen Disziplinen von einer offensichtlichen „Bipolarität“ betroffen: Auf der einen Seite tendiert ein Forschungsstrang dazu, eine ideale Kontinuität mit seiner eigenen Geschichte aufrechtzuerhalten, während sich auf der anderen Seite das herausbildet, was als „Avantgarde“ bekannt wurde, d.h. eine Tendenz, bei der die Produktionsseite der Idee, dem Konzept unterworfen wird. Der Künstler, der am ehesten als Förderer dieser Überholung identifiziert werden kann, ist Marcel Duchamp, mit der extremen Konsequenz, dass er davon ausging, dass „alles Kunst ist“, was zu der offensichtlichen Reaktion derjenigen führte, die dieser Entwicklung nicht gefolgt waren und die deshalb anprangerten, dass „nichts mehr Kunst ist“.
Die verschiedenen Seelen des Universums der künstlerischen Produktion beziehen sich jedoch auf die „konsolidierte Ritualität der Kunst“, auf Ausstellungen, Galerien, Auktionen, „Mühen“, die in den beiden Werden-Ausstellungen und in den Referenzbeiträgen in den entsprechenden Katalogen nachzulesen sind.
Welche Gemeinsamkeiten gibt es?
Es fällt mir immer schwerer, zu sagen, was die Künstler von früher und die von heute verbindet; die Gesellschaft hat sich verändert, die Kunden haben sich verändert, und damit auch die Rolle des Werks als solches. Was wahrscheinlich gemeinsam geblieben ist, sind die Substantive: „Erfindung“, „Kreativität“, und sicherlich kann man den gleichen Heiligenschein des Titels „Künstler“ wahrnehmen.
Wie haben sich die Rahmenbedingungen für das Künstler*in-Werden verändert?
Damals gab es „die Werkstatt“: In dieser Umgebung zu atmen, zu leben, zu kopieren, zu wachsen, war grundlegend. Die Akademien haben uns gelehrt, dass wir unseren Beruf auch dann ausüben können, wenn wir wenig oder gar kein Talent haben. Sie waren und sind in gewissem Sinne Epigonen der „Werkstatt“ und ermöglichen es vielen Menschen, die den Anspruch erheben, Künstler oder Marktteilnehmer in diesem Bereich zu werden, einen geführten Lernweg zu beschreiten, der dem der Universität gleichkommt und damit schneller ist als der der Werkstatt selbst.
„Künstler*in“ ist kein Titel, den man de facto durch den Abschluss einer Ausbildung oder eines Studiums erlangt. Wie wird man denn „Künstler*in“?
Man wird zum Künstler, wenn man sich so definiert! Die zeitgenössische Gesellschaft hat oft weder die Fähigkeit noch die Instrumente, um zu bewerten, außer dass sie sich der Berühmtheit eines „Künstlers“ unterwirft, der aus dem kulturellen oder marktwirtschaftlichen „Marketing“ hervorgeht!
Im Fokus der Ausstellung stehen mit der Accademia delle Arti del Disegno in Florenz und der Kunstakademie Düsseldorf auch zwei bedeutende Ausbildungsinstitutionen für bildende Kunst. Welchen Einfluss haben Kunstakademien auf die Entwicklung der Künstler*innenschaft bzw. der Kunst von morgen?
Die Akademie verfügt über eine akademische Ausbildung, die einen quantifizierten, aber nicht unbedingt qualifizierten Zugang zum Handwerk und zur künstlerischen Kultur gewährleistet. Die beiden Akademien unterscheiden sich grundlegend voneinander. Die Accademia delle Arti del Disegno in Florenz ist im Gegensatz zu der in Düsseldorf keine Schule, sondern vereint Künstler als Personen, die in ihrer jeweiligen Tätigkeit engagiert und anerkannt sind, in fünf verwandten Klassen: Malerei, Bildhauerei, Architektur, Kunstgeschichte und humanistische und wissenschaftliche Disziplinen, vereint durch die Aufgabe, „Studien und Veranstaltungen zu fördern und zu unterstützen, die sie aufwerten und die alles begünstigen, was von künstlerischem und historischem Interesse ist oder sich auf materielle und immaterielle Kulturgüter als Zeugen des Wertes der Zivilisation bezieht.“
Zugegeben, Michelangelos Fußstapfen sind schon recht groß. Kann jemals wieder ein*e Künstler*in zu solchem Weltruhm gelangen?
Die Geste von Giorgio Vasari, dem Schöpfer und Gründer der Akademie, Michelangelo Buonarroti als ersten Akademiker einzuladen, war weitsichtig und verschaffte der neuen Institution sofort Autorität und damit auch die Schirmherrschaft von Cosimo de‘ Medici. Wenn wir wollen, können wir diese Aktion als ziemlich zeitgemäß betrachten, denn Michelangelo, einer der größten Gesamtkünstler, der je gelebt hat – Bildhauer, Maler, Architekt, Dichter, Philosoph – ist auch heute noch eine Quelle der Inspiration, der Verantwortung, aber auch des Stolzes für unsere Tätigkeit, die sich, wie wir hoffen, immer wieder erneuern kann, indem sie die Verbindung zu ihrem Erbe aufrechterhält und ihm nicht erliegt.
Welche drei Eigenschaften brauch jemand Ihrer Meinung nach, um heute Künstler*innenstatus erreichen und sich in der Welt der Kunst behaupten zu können?
Die Kultur zu lieben, die Ethik zu respektieren, sich mit Neugier und Bescheidenheit über die Themen, Materialien und Techniken, die man verwenden will, zu informieren.
Wie schafft man es, sich als Künstler*in weiterzuentwickeln und trotzdem dem persönlichen Stil treu zu bleiben?
Das Tolle an der Kunst ist, dass wir nicht wissen, wohin uns die Zukunft führen wird!
Mit der Website „Looking Ahead“ wagt die Ausstellung auch einen Blick in die Zukunft. Können Sie einen Ausblick geben, worauf sich die Fans zeitgenössischer Kunst und Museumsbesucher*innen in den nächsten Jahren und Jahrzehnten freuen dürfen?
Die Zukunft, die wir vorhersehen können, ergibt sich immer aus unseren vergangenen Erfahrungen, sie ist ein Ort, an dem die Dinge unabhängig von unseren Vorhersagen erscheinen und entdeckt werden. Wir entdecken, dass die Realität ‚fantastischer‘ ist als unsere Vorstellung, man muss sich nur ansehen, was um uns herum und mit uns mit Covid passiert ist!
Worauf freuen Sie sich am meisten, wenn die Ausstellung „werden“ ab 3. Dezember im Ferdinandeum zu sehen ist?
Ich erwarte von der Ausstellung, dass der Versuch, einen Dialog zwischen zwei scheinbar so unterschiedlichen Institutionen wie unseren beiden Akademien herzustellen, gelingt und die geografische Entfernung zwischen den beteiligten Städten Florenz, Düsseldorf und Innsbruck die Phantasie und Neugier der Besucher anregen wird, die Verwandtschaft hinter diesem Rebus zu entdecken, der ihnen nahelegt, der Kunst zu folgen!
